Cinco exposiciones veraniegas en Madrid que no te puedes perder

A pesar de las altas temperaturas, siempre hay un plan perfecto para disfrutar de las tardes, o de las mañanas si ya estás disfrutando de unas merecidas vacaciones, para ver alguna de las exposiciones que acogen las diferentes salas y museos de la capital. A continuación te damos más detalles de las cinco que te proponemos esta semana, para que decidas por dónde quieres empezar.

Cuarto Milenio: una historia de miedo

El espacio Fandome, ha sido el escenario elegido para sorprender a los amantes del misterio y lo desconocido con esta exposición que se podrá ver hasta el 7 de julio, cuya música ambiental es del propio Iker Jiménez.

Con piezas extraordinarias de Juan Villa, nunca antes mostradas al público, podremos hacer un recorrido por la historia del miedo concentrado en personajes, fantasmas y realidades que nos sugieren dudas y sombras.

Horarios

Lunes, martes, miércoles y jueves:  17’00 a 20’00 hrs.

Viernes: 17:00 a 21:00 horas.

Sábados: 11:00 a 14:00 y de 16:00 a 22:00 horas.

Domingos: 11:00 a 14:00 y de 16:00 a 20:00 horas.

Aforo pases

80 personas/hora

Precio entradas

Adulto: 12€ + 2€ (coste de gestión) – a partir de 13 años

Niños: 6€ + 2€ (coste de gestión) – hasta 12 años

Bebés gratis hasta 3 años

Duración

60 minutos aproximadamente

teamLab

La cuarta planta del Espacio Fundación Telefónica acoge hasta el 1 de septiembre una exposición que apuesta por el lado más digital del arte. A través de tres piezas de ‘teamLab’, un colectivo multidisciplinar aclamado por usar un lenguaje visual radicalmente contemporáneo y de un nivel tecnológico sin precedentes, se busca la interacción del visitante con la obra, provocando cambios en ella, del mismo modo, que se generan en su intervención con la naturaleza.

‘teamLab’ es un colectivo artístico multidisciplinar fundado por Toshiyuki Inoko, en Japón en 2001, cuya obra se desarrolla en el terreno en el que confluyen arte, ciencia, tecnología, diseño y medio natural. Su trabajo se fundamenta en la práctica colaborativa de varios cientos de profesionales entre los que se encuentran artistas, programadores, ingenieros, creadores de animación digital, matemáticos y arquitectos. Alejados de la noción tradicional del autor que firma su obra, el trabajo colaborativo de este equipo multidisciplinar constituye uno de los pilares del grupo para generar sus sofisticados espacios inmersivos.

Autodenominados como “ultratecnólogos” por su uso de la tecnología como herramienta para expandir nuestros conocimientos y experiencias, el colectivo teamLab busca ampliar las posibilidades del arte a través de lo digital y generar nuevas formas de relacionarnos con el entorno a través de sus obras.

La noción de que no hay separación entre nosotros y la naturaleza recorre todas sus propuestas, que buscan con entornos envolventes diluir los límites entre mundo interior y mundo exterior fundiendo al espectador con la obra. Esta exposición mostrará como la tecnología digital ha permitido que el arte trascienda los límites físicos. 

Las artistas integrantes en teamLab son el máximo exponente de un lenguaje visual radicalmente contemporáneo y un nivel tecnológico sin precedentes, donde además, la influencia de la antigua cultura japonesa es evidente en toda su obra. Lejos de suponer una paradoja, tradición e innovación conviven de un modo totalmente orgánico.

La muestra ‘teamLab’ reunirá tres instalaciones audiovisuales adaptadas a la arquitectura de la sala:

1.Black Waves: Lost, Immersed and Reborn (2016), [Olas negras: perdido, sumergido y renacido] es la instalación que ocupa gran parte de la exposición. Inspirada en la tradición artística japonesa, sus olas recuerdan a La gran ola de Kanagawa pintada por Hokusai en 1830.

Tras calcular la interacción de miles de partículas entre sí, un espacio 3-D generado por ordenador expresa su movimiento en una gran masa de agua que da lugar a una ola continua. El espacio resultante genera una atracción en el espectador que siente sumergirse en la fuerza del oleaje y formar parte de un todo del mismo modo en el que lo hacen dichas partículas. Incorpora más de treinta proyecciones en un área de paredes y suelos reflectantes generando un poderoso efecto inmersivo donde la recreación visual del agua, como elemento clave del medio natural y de la vida, juega un papel protagonista.

2. Flutter of Butterflies, Born from Hands, (2019), [Aleteo de mariposas, nacidas de las manos]. Una pieza interactiva donde las mariposas surgen, revolotean y desaparecen a través del contacto con el visitante.

La obra responde a la interacción del público, que al tocar las paredes hace aparecer o desaparecer cientos de mariposas sugiriendo con esta acción el frágil equilibrio entre el ser humano y la naturaleza.

La obra evoluciona además en tiempo real, en una transformación continua que depende del entorno y que hace que los bellos patrones generados por las mariposas no se repitan nunca.  Con esta pieza, teamLab logra trascender los límites físicos y temporales del arte convencional.

Gracias al uso magistral de recursos digitales no solo consigue presentar una obra en permanente evolución que desborda el espacio, sino que establece un vínculo entre las personas que la contemplan en tanto que la acción de cada espectador incide en el resultado de la pieza.

3. Enso – Cold Light, (2017) [Enso – Luz fría] es una reinterpretación de la práctica Zen de pintar un círculo de trazo de grueso, con una sola pincelada.

En su inquietud por indagar en las raíces de la cultura japonesa desde un lenguaje actual, teamLab ha trabajado desde sus inicios en torno a la caligrafía tradicional evolucionándola hacia lo que denominan caligrafía espacial.

La profundidad, la velocidad y la fuerza que contiene el trazo de una pincelada sobre el papel se intensifican de un modo extraordinario al convertirlo en una forma tridimensional en movimiento.

En el zen, el enso simboliza la iluminación, la fuerza, la elegancia, el universo y el vacío; y el círculo, el momento en el que la mente se libera para que el cuerpo o el espíritu puedan crear. Suspendiendo el círculo de tinta en el espacio de tal modo que la mirada puede recorrerlo desde distintos puntos de vista, el observador prácticamente siente fundirse con el trazo.

Horario

El horario para visitar la exposición es de 10:00 a 20:00 horas.

Precio

No es necesario comprar entradas; es libre y gratuita.

Visitas comentadas

Miércoles – A las 10:30, 12:00 y 17:00 horas

Viernes – A las 10:30 y 17:00 horas

Domingos – A las 10:30 horas

Colección XVII Charlotte Moth

Por su parte, el Centro de Arte Dos de Mayo ubicado en Móstoles nos invita a conocer la propuesta de esta artista británica, que aprovecha la materialidad del edificio y de su espacio expositivo para ofrecer una instalación a partir de obras de la Colección CA2M, en este caso de la artista argentina de Leonor Fini. Comisariada por Caroline Hancock, se podrá ver hasta el próximo 15 de septiembre.

La exposición de Charlotte Moth forma parte de las invitaciones que el CA2M Centro de Arte Dos de Mayo hace regularmente a artistas para que trabajen sobre sus colecciones, la de la Comunidad de Madrid y la de la Fundación ARCO, ambas custodiadas por el museo.

El proyecto que la artista ha desarrollado para el CA2M parte de las condiciones de la tercera planta y de la escalera que recorre, serpenteante, el edificio: una «criatura» definida por la arquitecta Celia Vinuesa, diseñadora del museo en 2008, como «la primera escultura del Centro y la única siempre permanente en él».

Moth es conocida por su especial sensibilidad con respecto al espacio, la arquitectura, el emplazamiento específico de la exposición, su fisicalidad y sus concreciones. La artista ha trabajado en un proceso asociativo que responde a la materialidad del edificio y de su espacio expositivo centrado en tres de las obras de las colecciones y en sus posibles interconexiones: dos partes de un fondo de escena pintado por Leonor Fini en los años 50 encargado por Antonio el Bailarín, el gouache Sin título de 1989 de Sol LeWitt y la serie Deutsche Museen [Museos alemanes], investigación fotográfica sobre los museos de arte contemporáneo en Alemania realizada por Elmgreen & Dragset en 2005. También ha desarrollado obras nuevas ex profeso que abordan estas conversaciones. Su metodología asociativa propone visiones matizadas de la historia del arte y nuevos contextos para su percepción, mutación y proyección.

Charlotte Moth (Carshalton, Reino Unido, 1978) vive y trabaja en París. Formada en la Slade School of Art de Londres y en la Jan van Eyck Academy de Maastricht, ha realizado muestras individuales en el Kunstmuseum de Liechtenstein, en la Tate Britain de Londres, en el Centre d’art Contemporain de Ginebra, en De Vleeshal en Middelburg en Holanda. En 2017 fue nominada para el Prix Marcel Duchamp, para lo que fue invitada a realizar una instalación específica para el Centre Pompidou de París.

Horario

Martes a domingo de 11:00 a 21:00 horas.

Precio

Entrada gratuita.

Actividades paralelas

Recorrido performativo por la exposición: domingos a las 18:30; julio a las 19:00 horas. En agosto no habrá visitas.

Vicios Modernos. Ceesepe 1973-1983

La Casa Encendida acoge hasta el 22 de septiembre esta muestra gratuita dedicada a la obra gráfica de Carlos Sánchez Pérez (Madrid, 1958-2018), más conocido como Ceesepe.

Comisariada por Elsa Fernández-Santos, se podrán ver casi 300 piezas del artista entre cómics originales, cuadernos, revistas, juegos, fotografías, la película ‘El día que muera Bombita’, publicaciones vinculadas a los años escolares del artista que culminan en el año 83, así como sus cómics más relevantes.

Antes de convertirse en el pintor que extrajo poesía de las malas calles de Madrid, Ceesepe fue un precoz, tenaz y brillante dibujante de historietas. Su obra en el ámbito del cómic se desarrolló a lo largo de apenas diez años, pero su influencia y resonancia no se limitó a ese periodo y, hoy, décadas después, se presenta como un singular espejo de la vida que siguió a la muerte de Franco y el fin de la dictadura.

No se puede entender ese periodo fundamental de la historia española sin el revulsivo de lo que se conoce como el «comix» underground. Los tebeos del Rrollo en Barcelona y la Cascorro Factory en Madrid fueron dos de los focos principales de un movimiento que aglutinó a jóvenes de diferentes sensibilidades. Entre ellos, destacó un madrileño que desde la adolescencia había desarrollado un original instinto para el dibujo.

Ceesepe tenía 16 años cuando editó su primera historieta. La protagonizaba el que sería su figura más emblemática y transgresora, un calvo melenudo llamado Slober, en la revista que sería uno de los pocos faros contraculturales de la España de entonces, Star. Las viñetas viajaron en un sobre desde Madrid a Barcelona y allí, su destinatario se encontró con un filón y con uno de sus más notables colaboradores.

Ceesepe, que poco después se convertiría en una destacada figura de lo que se conoce como la movida, actúo de puente entre las dos ciudades estableciendo un fundamental vínculo entre el Rastro y Las Ramblas, es decir, entre dos lugares hegemónicos en el nuevo flujo de libertad que surgía en Madrid y Barcelona.

Políticamente incorrecto y contestatario por naturaleza, el cómic permitía a un principiante como Ceesepe experimentar con el dibujo y también con sus posibilidades narrativas. Sin embargo, el medio pronto se le quedó pequeño y la obra de Ceesepe empezó a mutar atraída por las posibilidades de la pintura. Las viñetas crecieron, el color empezó a conquistar el terreno y las historietas, cada vez más sofisticadas y trabajadas, se convirtieron en pequeños cuadros que anunciaban lo que estaba por llegar.

Ceesepe participó en álbumes históricos, como Nasti de Plasti o Carajillo, y más tarde en El Víbora y otras publicaciones más profesionales. Pero fue bajo el sello de la Cascorro Factory —a cuyo núcleo primero, formado por Ceesepe y el fotógrafo Alberto García-Alix, pronto se sumarían Ouka Leele y El Hortelano— donde publicaría su obra más importante y fronteriza de esos años, Vicios Modernos, un fanzine fundamental que incluía la historieta del título, creada a partir de fotografías de García-Alix, y Bestias de lujo, en la que ya se distingue el embrión de un nuevo rumbo.

Antes de abandonar definitivamente el cómic, Ceesepe creó la cartelería de la ópera prima de Pedro Almodóvar, Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, y escribió, dibujó y rodó junto con García-Alix una joya del cine amateur: el mediometraje El día que muera Bombita, cuya colorista y dramática versión cómic despliega la personalidad del futuro pintor.

Los originales, las fotografías y los cuadernos, muchos de ellos escolares, que se reúnen en la exposición «Vicios Modernos. Ceesepe 1973-1983» fueron en su mayoría adquiridos al artista por el Archivo Lafuente. Junto con La Casa Encendida, el Archivo trabajó mano a mano con el artista en esta exposición hasta su muerte en septiembre de 2018.

Horario

De martes a domingo: 10:00 – 22:00 horas.

Cierre de salas de exposición: 21:45 horas.

Precio

Donna Ferrato. Holy

Por último, y también hasta el 22 de septiembre, no te pierdas en la Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes esta muestra, que se encuentra dentro de la Sección Oficial de PhotoEspaña, que comparte título con el libro que próximamente publicará la artista estadounidense.

Holy (sagrado) es la exposición que comparte título con el libro que próximamente publicará la fotógrafa Donna Ferrato. Holy continúa la senda que Ferrato emprendió en la década de los 60, al documentar, no solo la violencia contra la mujer, sino también la voz de las víctimas, haciendo visible lo invisible.

Estamos ante una retrospectiva inédita, que ilustra los cincuenta años de trayectoria de la fotógrafa estadounidense. La muestra está compuesta por fotografías que forman parte del nuevo libro que publicará la editorial powerHouse Books, en el que Donna Ferrato nos convierte en testigos de la interminable lucha por la igualdad de género, la revolución sexual y el #metoo.

Las imágenes de Ferrato son testimonio del espíritu inquebrantable de todas las mujeres: Holy es un homenaje a las que, a pesar de todo, prevalecen. Las fotografías en la exposición incitan a la movilización, ya seas cis o trans, joven o viejo, butch o femme, ya que la supervivencia humana depende de las mujeres.

Donna Ferrato es fotógrafa y activista, conocida por su cobertura de la violencia doméstica y su documentación del barrio de Tribeca, en Nueva York. Ha sido galardonada, entre otros premios, con el Eugene Smith Award y el Robert F. Kennedy Award. El libro Living with the Enemy (Viviendo con el enemigo) vendió más de 40.000 copias y desencadenó una discusión nacional sobre la violencia sexual y los derechos de las mujeres.

Precio

4 euros (3 euros con Carné Joven).

Horario

Martes a domingos, de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 21:00 horas.

Fuente, texto y foto: Turismo Madrid.

Canal

Gacetín Madrid

Somos un medio de comunicación digital de actualidad de acceso gratuito e independiente de la ciudad de Madrid. Informamos de las últimas noticias que suceden en los 21 distritos y los diferentes barrios o zonas de Madrid, así como todas las noticias de interés para los madrileños.

Deja una respuesta

Tu dirección de correo electrónico no será publicada. Los campos obligatorios están marcados con *

Acepto la política de privacidad *